Det er godt over femti år siden Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band kom først på radioen på begge sider av Atlanterhavet.
Det hektiske skriket fra fansen deres på hver konsert og mangelen på scenemonitorer gjorde det nesten umulig for dem å høre seg selv som en musikalsk enhet, så de tok et skritt tilbake og tenkte på nytt i hvilken retning de var på vei musikalsk mot. Ringo Starr nevnte ofte at de var i ferd med å bli en "gjeng løse musikere" mens John Lennon sa "send ut fire voksverk … og det ville tilfredsstille publikum. Beatles-konserter har ingenting med musikk å gjøre lenger.«
I tillegg inviterte Johns bemerkning "The Beatles are more popular than Jesus" i en avis i London i mars 1966 til et vidtrekkende offentlig ramaskrik uansett hvor de opptrådte. Filippinene deres turné i 1966 endte i katastrofe da de ubevisst avviste First Lady Imelda Marcos. I august 1966 følte The Beatles enstemmig at deres turnédager var over, og fremførte sin siste konsert sammen på Candlestick Park i San Francisco 29. august 1966.
Med konsertopptredener og bookinger ikke lenger på timeplanen, trakk gruppen seg tilbake til studio for å se hva de alle hadde å tilby av musikk. Bandet hadde allerede begynt eksperimentell bruk av psykedeliske stoffer, og nå var John allerede påvirket av avantgardekunst mens Paul begynte å utforske klassiske musikkideer gjennom samtidige komponister på den tiden som Luciano Berio og John Cage. For de som kanskje ikke vet, var det McCartney som foreslo ideen om å komme med et album som var basert på en tematisk idé om et militærband fra Edwardian-tiden. Og det er hvordan ideen til Sgt. Pepper ble født.
Work for det nye konseptalbumet begynte i november 1966 med innspillingen av Lennons "Strawberry Fields Forever", en sang inspirert av et virkelig sted i hjembyen hans Liverpool. Lennon begynte å skrive sangen mens han filmet på settene til How I Won The War, hans første film noensinne uten bandkameratene. Sangen ble spilt inn på en firesporsmaskin og var et banebrytende spor for sin tid for bruk av swarmandal og mellotron. Disse instrumentene fremk alte en avantgarde som hjemsøkende tone. Den ble utgitt i februar 1967 da B-siden til McCartney skrev 'Penny Lane', en annen sang som minner om deres ungdom i Liverpool, som var preget av bemerkelsesverdige tonearter gjennom hele sangen og den klassiske piccolotrompeten spilt av David Mason i broen.
Den gang ville de fleste band gi ut en singel og lage albumet rundt. Da Penny Lane og Strawberry Fields Forever ikke klarte å nå førsteplassen på plateforhandlerlisten i Storbritannia, ble fans og kritikere bedt om å tenke om «boblen har sprukket». Timene som ble brukt på å spille inn dem banet imidlertid en ny musikalsk retning for bandet som endelig forsto deres medfødte musikalske genier.
Da arbeidet endelig begynte med å produsere albumet, drev George Harrison, som nå var dypt påvirket av indisk mystikk og musikk, sin musikalske idé inn i sitarkomponerte Within you, Without Out, som også gjorde bruk av dilruba og tabla og introduserte verden for første gang til sjangeren Raga Rock. Sangen er en klar refleksjon av Harrisons syn på livet slik de blir undervist i de indiske vedaene og kan ikke bare avfeies som en illusjon.
Selv om tittelen Lucy In The Sky With Diamonds var inspirert av en av Lennons sønn Julians tegninger, hentet Lennon tung inspirasjon til tekstene fra Lewis Carrolls Alice in Wonderland. Sangen er preget av en sterk toneartskifte som går gjennom sangen sammen med dens karakteristiske 3/4 taktart i verset etterfulgt av en 4/4 takt i refrenget.
Selv Lennon-McCartney-kreditten A Day in the Life huskes best for sine fargerike og forseggjorte narrative tekster som maler et lysende bilde av et dagligliv i London under det svingende sekstitallet. Produsent George Martin og McCartney delte ansvaret for å dirigere et 40-manns orkester for den midterste 24 takts seksjonen som var inspirert i stilen til John Cage og Karlheinz Stockhausen. David Crosby fra The Byrds, som var til stede under øktene, sa senere: "Mann, jeg var en oppvaskfille. Jeg ble nedsunket. Det tok meg flere minutter å kunne snakke etter det."
Mens produsent George Martin og innspillingsingeniører ved EMI trykket albumet med en firesporsmaskin, utforsket de sammen med The Beatles nye miksings- og overdubbingsteknikker for å produsere ønsket lyd. Inspirert av James Jamerson fikk Paul McCartney bassen plugget direkte inn i innspillingskonsollen på innspillingsdekket for å få den dype tonen for albumets tittelspor.
Selv om det kan betraktes som vintage i henhold til dagens standarder hvor de fleste studioopptak gjøres via dataassistanse, var albumet et gjennombrudd for sin tid med bandets optimalisering av studio og innspillingsfasiliteter. Det var første gang studioet ble sett på som et musikkinstrument i stedet for en institusjon for bare å produsere musikk. De enorme studiotimene som ble brukt på å produsere albumet tvang kritikere og utgivere til å vurdere estetikken til rockemusikk som en kunstform i stedet for en forretningsenhet. Den soniske eksperimenteringen med nye musikalske lyder åpnet dørene til musikalske sjangere som hardrock, punk, heavy metal, new wave og andre musikalske stiler som fulgte. Selv alter-ego-personas utviklet rundt albumets tema av John, Paul, George og Ringo ble grunnsteinen i glamrock-sjangeren i generasjonene som fulgte.
Rolling Stone Magazine gikk til rangering av Sgt. Pepper som tidenes beste album basert på stemmer mottatt fra rockemusikere, kritikere og bransjefigurer.
